自得其乐（综合材料） 2020年 章燕紫

水墨作为中国传统绘画最核心的艺术语言，是中国古代文人和艺术家描绘世界、表现自我内心的主流方式。当代水墨艺术家通过融入新材料、新技术和关注现实问题，使水墨艺术焕发出新的生机与活力。多年来，艺术家章燕紫致力于探索这一传统语言方式的当代转换，用极具辨识度的水墨语言拓宽了水墨艺术的表达边界，探索了各类新材料在水墨艺术中的融合与使用，将女性特有的敏感与才情运用到作品的观念表达中。

日前，在南京艺术学院美术馆展出的“无间——章燕紫个展”为观众带来了《面对》《千里追风图》《零碎》《流光》等艺术家最新的系列创作，同时包含了《二十四节气》《自得其乐》等几件代表力作。在这一系列创作中，艺术家始终围绕“疗愈”的主题，对生命与存在进行深刻反思，在艺术与治疗之间不断探索个人独特的语言表达方式。

对于展览的主题“无间”，展览策展人林书传阐述道，“无间”实则是A和B之间一个我们看不见的内容，“是一种非空间的区域，一种看不见的盈实状态”，这个看不见的内容往往比眼睛能够观看到的东西更为重要。他认为，在艺术家章燕紫的创作中，“无间”是表象的“卧底”，外表可能只是表达的冰山一角。艺术家通过不同的材料、形式、颜色和符号来传达这种表象与深层含义之间的关系。作为一对中国古代哲学的范畴，“有”与“无”本就是互相渗透、互为依存的关系。章燕紫坦言希望通过作品探讨“有”与“无”之间微妙相生的关系，以及“有”与“无”之间的状态——一种处于漩涡之中，没有方向的真空状态。

展览中的作品无不充满了“有”与“无”这一对辩证关系的踪迹。展厅最先映入眼帘的是六张尺幅巨大的空心卷轴《面对》系列，虽为卷轴，却一改古人品画的观看方式，观众可以环绕其间进行观看，正反两面的概念因此被消解。传统卷轴装裱之下，最重要的“画心”却消失不见了，透过这一空心孔洞，观者可以构建“画心”的无限可能。作品的材料从各国通用的货币、止痛贴、纱布、膏药，到创可贴、针线、装裱碎料间的自由切换与组合，多样的形式组合与被拆解的图像隐喻之间构成表里不一的双重节奏。“卷轴画的画心部分是重要的。如果把重要的画芯去掉后，周边的部分就变重要了。是周边的装裱重要，还是中间缺失的部分更重要？‘有’和‘无’是相对的，没有周边的装裱，就不存在中间的空间，边界在这里变得很重要。眼睛在‘有’和‘无’之间切换，我们的注意力是在关注四周代表物质、权力、欲望、快乐、愈合的装裱，还是中间的空洞？抑或是空洞中经过的人？我们面对的究竟是什么？这种感受，每一个观众都会有自己的解读。”章燕紫说。

《千里追风图》是一件长约12米的册页装置作品，艺术家用手术刀、医用镊子在白色宣纸扎划而成的山水画，作品远看像是一张全新的白色册页，近看则是密密麻麻类似皮肤过敏凸起的痕迹。作品打破水墨山水册页一贯的语言方式与愉悦的视觉感受，形似山水的“风景”弥漫着令人不悦的痛感。《流光》系列则是艺术家对“身份”问题的反思，抛开性别与身体经验的表象，作为一个“人”对此作出的回应。这件作品亦对平面作品中的“空间性”表达作出的尝试，眼睛与嘴唇——最令人情动的感官之物，存在之隽永与失去之伤痕，在正负形空间之中潜伏与转换。《零碎》系列占据了展厅的一大面墙，像是艺术家近年来创作的“工作随笔”或是“工作室一角”，充满实验性、未完成感以及极强的延展度。刻掉画面的画册、展览的小海报、镂空的人物、作品撕下的一块、或是多年前没能进行下去的创作实验……丰富的“边角料”呈现了章燕紫长达20年时间的一些思想线索，是那些完成度更高的大作品的“注脚”，也是艺术家创作灵感的源流。这些作品与展览的其他作品形成一种互文关系，观众不仅可以看到艺术家思考的草蛇灰线，亦能看到同时并置的创作过程及结果。

作为从传统水墨出发的艺术家，章燕紫的创作理念、媒介以及展陈中无不显现着当代作品的实验性与先锋性。展览作品所传达的意涵，既包含了艺术家个体的生命体验，也是其对人生与社会存在规则的叩问。在中国画学会创会副会长、江苏省中国画学会会长高云看来，画家分为功力型和才情型两类。“我是功力型画家，只能将画一点点打磨，所以我特别羡慕才情型画家，天马行空，非常帅气。而章燕紫既是功力型的画家，同时又充满才情。一方面她有着扎实的传统绘画基础，另一方面在她的作品中表达的观念却又是当代的，她的作品并不是为了当代而当代，这种创新的个性对艺术家来说是非常感人的”。